Arte Educação: abril 2010

IMPRESSIONISMO
Foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início as grandes tendências da arte do século XX.
A primeira vez que o público teve contato com as obras impressionistas foi numa exposição coletiva em paris, em 1874.
Mas o público reagiu muito mal ao novo movimento, pois ainda se mantinham fieis aos princípios acadêmicos de pintura.
Os pintores deste período registraram o efeito que a luz solar provoca nos objetos e na natureza.
PRINCIPAIS CARACTERISTICAS
A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento.
As figuras não devem ter contornos nítidos.
As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como é a impressão visual que nos causam.
Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares.
As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor.
Em 1886 realizou-se a última exposição coletiva do grupo de artistas impressionistas. Desta exposição participaram dois pintores que dariam uma nova tendência ao movimento: Seurat e Signac.
O trabalho desses dois artistas aprofundou as pesquisas que os impressionistas realizaram quanto à percepção óptica.
Seurat acabou reduzindo as suas pinceladas a um sistema de pontos, que no conjunto dão ao observador a percepção de uma cena.
Essa técnica foi chamada de pontilhismo ou divisionismo.Dentro desta tendência o quadro mais famoso de Seurat é “Tarde de Domingo na ilha de Grande Jatte”.

A ARTE DA PRÉ-HISTÓRIA

Consideramos como arte pré-histórica todas as manifestações que se desenvolveram antes do surgimento das primeiras civilizações e portanto antes da escrita. No entanto isso pressupõe uma grande variedade de produção, por povos diferentes, em locais diferentes, mas com algumas características comuns. A primeira característica é o pragmatismo, ou seja, a arte produzida possuía uma utilidade, material, cotidiana ou mágico-religiosa: ferramentas, armas ou figuras que envolvem situações específicas, como a caça.

A ARTE DA PRÉ-HISTÓRIA BRASILEIRA

O Brasil possui valiosos sítios arqueológicos em seu território, embora nem sempre tenha sabido preservá‑los. Em Minas Gerais, por exemplo, na região que abrange os municípios de Lagoa Santa, Vespasiano, Pedro Leopoldo, Matosinho e Prudente de Moraes, existiram grutas que traziam, em suas pedras, sinais de uma cultura pré-histórica no Brasil. Algumas dessas grutas, como a chamada Lapa Vermelha, foram destruídas por fábricas de cimento que se abasteceram do calcário existente em suas entranhas. Além dessas cavernas já destruídas, muitas outras encontram se seriamente ameaçadas.
Das grutas da região, a única protegida por tombamento do IPHAN (Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional) é a gruta chamada Cerca Grande. Ela é considerada importante monumento arqueológico por causa de suas pinturas rupestres e de fósseis descobertos em seu interior, indicadores de antigas culturas existentes em nosso país.
Os pesquisadores classificaram essas pinturas e gravuras em dois grandes grupos: obras com motivos naturalistas e obras com motivos geométricos. Entre as primeiras predominam as representações de figuras humanas que aparecem ora isoladas, ora participando de um grupo, em movimentadas cenas de caça, guerra e trabalhos coletivos. No grupo dos motivos naturalistas, encontram‑se também figuras de animais, cujas representações mais freqüentes são de veados, onças, pássaros diversos, peixes e insetos
As figuras com motivos geométricos são muito variadas: apresentam linhas paralelas, grupos de pontos, círculos, círculos concêntrico, cruzes, espirais e triângulos.

SURREALISMO

O Surrealismo é um movimento estético que representa a realidade de maneira fantasiosa.
Para os surrealistas a obra de arte não é resultado de manifestações do consciente. Ao contrario são manifestações do subconsciente, absurdas e ilógicas, como a imagem dos sonhos e das alucinações, que produzem as criações artísticas mais interessantes.
Os artistas surrealistas propunham que a criação artistica se libertasse das amarras do pensamento racionalista.
Muitas obras surrealistas apresentam aspectos da realidade; resultando em composições ireais.
Podemos analisar as obras surrealistas, como sendo o resultado do automatismo psíquico, que relaciona e combina elementos do acaso.
Salvador Dali é sem dúvida o mais conhecido pintor surrealista, principalmente por causa da obra “A Persistência da Memória”, muitas vezes reproduzida em livros.

FUTURISMO

Este movimento teve uma forte relação com a literatura do início do século XX.
Na pintura como na literatura, os futuristas como a própria palavra sugere exaltavam o futuro e, sobretudo a velocidade, que passou a ser conhecida e admirada a partir da mecanização das indústrias e da crescente complexidade social que ganharam os grandes centros urbanos.
Para os pintores ligados ao futurismo, os outros artistas tinham ainda uma visão estática da realidade, ignorando o aspecto mais evidente dos novos tempos: o movimento veloz das máquinas, que provoca a superação do movimento natural.

FAUVISMO

Em 1905, em Paris, durante a realização de Salão de Outono, alguns jovens pintores foram chamados pelo crítico Louis Vauxcelles de fauves, que em português significa “feras”, por causa da intensidade com que usavam as cores puras, sem misturá-las ou matizá-las.
Dois princípios regem esse movimento artístico: a simplificação das formas das figuras e o emprego das cores puras. Por isso, as figuras fauvistas são apenas sugeridas e não apresentadas realisticamente pelo pintor. Da mesma forma, as cores não são as da realidade. Elas resultam de uma escolha arbitrária do artista e são usadas puras, tal como estão no tubo de tinta. O pintor não as tornas mais suaves nem cria gradação de tons.
É certo que os fauvistas não foram aceitos quando apresentaram suas obras. Mas foram eles os responsáveis pelo desenvolvimento do gosto pelas cores puras, que atualmente estão nos inúmeros objetos do nosso cotidiano e nas muitas peças do nosso vestuário.
Dos pintores fauvistas, Matisse foi, sem dúvida, a maior expressão. Sua característica mais forte é a despreocupação com o realismo, tanto em relação às formas das figuras quanto em relação às cores. Em suas obras, as coisas representadas são menos importantes do que a maneira de representá-las.
Assim, as figuras interessam enquanto formas que constituem uma composição. É indiferente ao artista se elas são de pessoas ou de natureza-morta. Por exemplo, em “Natureza-morta com Peixes Vermelhos”, quadro pintado em 1911, pode-se observar, o importante parta Matisse é que as figuras – tais como a mulher, o aquário, o vaso com flores e a pequena estante-, uma vez associadas, compõe um todo orgânico. Mas esse objetivo não era procurado apenas pela associação das figuras. As cores puras e estendidas em grandes campos, como o azul, o amarelo e o vermelho, são também fundamentais para a organização da composição.

CUBISMO

O Cubismo é um movimento artístico que ocorreu entre 1907 e 1914, tendo como principais fundadores Pablo Picasso e Georges Braque.
O Cubismo tratava as formas da natureza por meio de figuras geométricas.
Representando todas as partes de um objeto no mesmo plano.
A representação do mundo passava a não ter nenhum compromisso com a aparência real das coisas.

O MOVIMENTO CUBISTA EVOLUIU CONSTANTEMENTE EM TRÊS FASES

FASE CEZANIANA: Entre 1907 e 1909 Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne, pois para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros.

FASE ANALÍTICA: Entre 1909 a 1912 - que se caracterizava pela desestruturação da obra, pela decomposição de suas partes constitutivas;

FASE SINTÉTICA (COLAGEM) - foi uma reação ao cubismo analítico, que tentava tornar as figuras novamente reconhecíveis, como colando pequenos pedaços de jornal e letras.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, ou simplesmente Pablo Picasso 1881 – 1973; Foi reconhecidamente um dos mestres da arte do século XX. É considerado um dos artistas mais famosos e versáteis de todo o mundo, tendo criado milhares de trabalhos, não somente pinturas, mas também esculturas e cerâmica, usando, enfim, todos os tipos de materiais.

AS CORES INFLUENCIOU AS FASES DA VIDA DE PICASSO.

PERÍODO AZUL
Consiste em obras sombrias em tons de azul e verde azulado, ocasionalmente usando outras cores. Desenhava prostitutas e mendigos e sua influência veio de viagens pela Espanha e do suicídio de seu amigo Carlos Casagemas.
Na fase azul (1901 a 1905), Picasso pintou a solidão, a morte e o abandono.

PERÍODO ROSA
O Período Rosa (1905–1907) é caracterizado por um estilo mais alegre com as cores rosa e laranja, e novamente com muitos arlequins. Muitas das pinturas são influenciadas por Fernande Olivier, sua modelo e seu amor na época.
Na fase rosa há abundância de tons de rosa e vermelho, caracterizada pela presença de acrobatas, dançarinos, arlequins, artistas de circo, o mundo do circo.

HISTÓRIA EM QUADRINHO

Histórias em quadrinhos podem ser classificadas como produção cultural, aproximando-se de pinturas, esculturas, livros, poemas e cinema e, como esses
suportes culturais, o quadrinho recebe grande influência do mundo ao seu redor, pois História e cultura estão diretamente relacionadas.

No Brasil, os quadrinhos têm se relacionado com a educação desde a primeira revista O Tico-Tico, publicada em 1905.

O mangá ou manga é a palavra usada para designar as histórias em quadrinhos japonesas, o seu estilo próprio de desenho e o movimento artístico relacionado.

CARACTERÍSTICAS DAS HQs

1- Na HQ, o tempo e o lugar costumam ser indicados pela própria imagem.
2- Algumas histórias apresentam quadrinhos com legenda. Trata-se de um pequeno texto que descreve algum fato ou informa alguma coisa, geralmente relacionada com o início da história.
3- Existem diferentes tipos de balões (o balão é um elemento característico dos quadrinhos) que partem geralmente da boca das personagens, nos quais aparece a fala ou o pensamento delas.
4- A letra usada no balão, geralmente, é de forma, maiúscula e parece ter sido desenhada à mão.
5- Por vezes, as palavras são escritas em negrito, com um traço mais forte do que o normal, pois indica a maneira como são pronunciadas, com tom de voz mais alto ou ênfase.
6- Há palavras que procuram imitar, na escrita, certos sons e ruídos. Essas palavras são chamadas de onomatopéias. O sinal de pontuação que costuma acompanhar as onomatopéias é o ponto de exclamação.
7- As personagens das histórias em quadrinhos costumam usar uma linguagem informal, isto é, bem parecida com o jeito como falamos no dia-a-dia.

OP ART
No início da segunda metade do século XX, os grandes centros urbanos já estão recuperados dos danos causados pela Segunda Guerra Mundial. A indústria tem sua capacidade de produção redobrada, colocando no mercado artigos que são largamente consumidos pelos habitantes das cidades, que crescem sem parar.
Foram dentro deste contexto social, que ganhou força dois modos de expressão artística: Op-Art e Pop-Art.
Para a Op-Art a arte deveria simbolizar a possibilidade constante de modificações da realidade em que o homem vive.
A expressão Op Art vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. O seu precursor é Victor Vasarely (1908-1997), criador da plástica do movimento.
Vitor Vasarely dedicou-se a aspectos cinéticos da arte, as suas telas são abstratas e pretendem criar uma ilusão de movimento com elementos geométricos padronizados e cores contrastantes numa progressão matemática. Podemos dizer que as suas obras são uma celebração à velocidade da vida contemporânea. Este é um poeta do cinético.
As obras da Op-Art apresentam diferentes figuras geométricas, em preto e branco ou coloridas, combinadas de modo a provocar no espectador sensações de movimento.
Trata-se de uma arte que da mesma forma que a vida contemporânea; Está em constante alteração.
As pesquisas de sugestão do movimento a partir das sensações ópticas desenvolveram-se principalmente na década de 60.
Essa concepção plástica contribuiu para a invenção de móbiles, uma vez que estes dão a idéia de movimento.
Embora os móbiles pareçam simples, sua montagem é muito complexa, pois exige o conhecimento da matemática; com peso e contrapeso muito bem estudados, para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue.

DESENHO – MODALIDADES -

O desenho é a forma de representar idéias, sensações, seres e objetos em papel ou outra superfície. Para isso, utilizam-se várias técnicas, entre elas lápis, pincel, carvão ou até mesmo o dedo.
O desenho livre é aquele em que o tema ou os recursos para realizá-lo dependem da livre escolha do desenhista. Já no desenho dirigido os temas ou os materiais para a sua realização são fornecidos antecipadamente.
Para realizar um desenho devemos explorar suas diversas modalidades, além dos temas e os inúmeros recursos disponíveis, como colagem, computação gráfica, traços, sombra cor e muito mais.
Existem várias modalidades de desenho que você vai conhecer passo a passo:
1. Desenho de observação: É aquele que parte da observação do modelo escolhido.
Analisando o objeto atentamente, as suas nuanças, o volume, os detalhes e a proporção entre as partes. É importante que você não saia do lugar no momento da prática.
Ser um bom observador das coisas que o cercam é um exercício que pode ser feito em qualquer lugar e a qualquer momento. Quando isso se torna um hábito, você vera que a qualidade dos seus desenhos melhorará.
2. Desenho geométrico: É a composição harmoniosa geometrizada de um tema escolhido.
Com régua e compasso, você pode compor uma cena, uma paisagem ou um objeto.
3. Desenho projetivo: É a representação de uma figura nas três dimensões: altura, largura e profundidade.
4. Desenho abstrato: Combina linhas e formas, expressando um estado de espírito e o sentimento do artista.
Pode parecer um desenho estranho, mas devemos ter em mente que se trata do resultado das idéias e emoções do artista.
5. Desenho no computador: É outro recurso que utiliza programas específicos, auxiliando-nos numa criação. Contudo, devemos nos lembrar que computadores são apenas instrumentos, eles funcionam segundo as regras do artista.Desenho ilustrativo: Pode ser de caráter explicativo, como nos textos didáticos, ou interpretativos como na literatura.